Un milagro en un entierro
Don Gonzalo Ruíz, quien murió en 1323 (y más tarde fue conocido por el título de Conde de Orgaz), probablemente no sea alguien que conozcas, y aunque no conozcas a Ruíz, es probable que hayas visto una reproducción de la pintura de El Greco. es una de las pinturas más reconocibles y reproducidas del mundo.
Ruíz, que era el Señor (gobernante) de la ciudad de Orgaz, donó dinero a la iglesia de Santo Tomé en Toledo, España a su muerte.
Circulaban historias locales sobre el conde de Orgaz en el siglo XIV, incluida una historia milagrosa de las circunstancias de su entierro: después de su muerte, los santos Agustín y Esteban lo bajaron a su tumba para honrarlo por sus buenas obras.
Esta historia siguió siendo popular en la ciudad de Toledo, sirviendo de fuente de inspiración para El entierro del conde de Orgaz de «El Greco».
Este cuadro fue realizado para la capilla funeraria del Conde de Orgaz en la iglesia de Santo Tomé.
La pintura
El Entierro del Conde de Orgaz de El Greco (imagen completa en la parte superior de la página) es monumental —más de 15 pies de altura— y representa numerosas figuras además de las circunstancias milagrosas que rodearon el entierro de Don Gonzalo Ruíz.
En la parte inferior central, San Agustín (a la izquierda) y San Esteban (a la derecha) sujetan al Conde de Orgaz, que va vestido con armadura.
A medida que lo bajan a su tumba, tenemos la impresión de que colocan su cuerpo en la tumba física que existe frente a la pintura en la capilla funeraria.
Este acto recuerda a las pinturas que muestran el entierro de Cristo, como las versiones de Rafael o Tiziano, donde el cuerpo de Cristo es bajado a su tumba.
Quizás El Greco adaptó este tema a su pintura para enfatizar el momento solemne y la naturaleza milagrosa del entierro en sí.
Aquí en la tierra
Otras figuras religiosas en la escena inferior incluyen frailes franciscanos, agustinos y dominicos. Se aprecia al párroco de Santo Tomé, Andrés Núñez de Madrid (lectura mostrada, extremo derecho), y otros personajes que vivieron en el Toledo de finales del siglo XVI.
Los hombres vestidos de negro y decorados con cruces rojas pertenecían a la Orden de Santiago (Santiago el Mayor), una orden militar-religiosa de élite.
Un niño, Jorge Manuel, hijo de El Greco, se encuentra a la izquierda de San Esteban y señala hacia los santos que bajan el cuerpo de Orgaz, dirigiendo nuestra mirada hacia el tema principal.
La figura directamente detrás y encima de San Esteban que mira al espectador es un autorretrato.
Si El Greco fue un consumado retratista, como lo demuestra su pintura de Fray Hortensio Félix Paravicino, el Entierro del Conde de Orgaz llama la atención por la cantidad de retratos incluidos en una composición tan compleja.
Era costumbre que los hombres de élite acudieran al entierro de otros nobles en España en este momento, pero ¿por qué El Greco incluiría a tantos de sus contemporáneos en una pintura aparentemente centrada en una historia milagrosa sobre el Conde de Orgaz?
La respuesta se puede encontrar en el contrato de la pintura de 1586 que estipulaba que se incluyeran retratos para sugerir que presenciaron el milagro.
El Greco combina brillantemente retratos con figuras de santos, lo espiritual con lo histórico.
Santo Tomé era la iglesia parroquial de El Greco, por lo que probablemente incluyó a personas que conocía en la pintura como una señal de respeto.
El Entierro del Conde de Orgaz (detalle)
1586-88
Óleo sobre lienzo
Santo Tomé, Toledo
Dos santos -Steban identificado por una representación escénica de su lapidación en Dalmacia- llevan al conde Orgaz a su tumba, el hijo del artista hace de joven paje. La firma del artista aparece en el pañuelo que lleva en el bolsillo el joven, y por un extraño ardid va seguida de la fecha «1578», el año de nacimiento de Jorge Manuel, y ciertamente no la fecha del cuadro. El niño señala el cuerpo del difunto, uniendo así nacimiento y muerte.
Para ayudar a las personas a sentirse como si estuvieran entre sus contemporáneos, El Greco enfatizó las texturas naturalistas de la ropa, el brillo reflectante que resalta la armadura de metal e incluso los rostros y la piel de las personas en el reino terrenal.
Las vestiduras de San Esteban están tan detalladas que podemos ver una escena de su martirio en el borde inferior.
Sin embargo, a pesar de todos los elementos naturalistas de esta escena inferior, todavía parece misteriosa. ¿Estamos afuera por la noche? ¿Estamos dentro de la capilla? No está claro.
Sin embargo, la atmósfera oscura acentúa la sensación de duelo y dramatismo del cuadro.
Justo como el paraíso
El reino celestial cubre la mitad superior de la composición. Vemos muchas figuras aquí también, incluidos tanto ángeles como santos: David con su arpa, Pedro con sus llaves, Juan el Bautista, la Virgen María y Cristo. El rey español Felipe II y el Papa Sixto V también son visibles en este reino celestial.
Entre María y Cristo, un ángel guía hacia arriba la pequeña alma del Conde de Orgaz (lo que parece un bebé) (gesto habitual en los iconos bizantinos en general).
El alma del Conde será juzgada por Cristo en el Cielo, que preside toda la escena.
Cualquiera que mirara la pintura recordó que el juicio también les espera.
El Cielo y la tierra
El estilo de El Greco difiere entre los dos reinos. En el reino celestial superior, el artista utilizó pinceladas más sueltas para dar a las figuras una cualidad más etérea y dinámica.
También eligió colores más fríos, incluidos plateados y lilas, que parecen brillar y reflejar la luz.
La mitad inferior del lienzo tiene una paleta más oscura de tonos tierra (excepto los santos Esteban y Agustín), lo que le da una apariencia más naturalista.
También existen diferencias entre la forma en que se pintan las figuras en cada reino.
Cristo, María y Juan el Bautista son más angulosos y alargados que los de abajo.
Estas figuras a menudo se describen como desmaterializadas, menos materiales o sólidas. Ciertamente tenemos esta impresión de algunas de las figuras tenues e insustanciales entre las nubes.
Da la sensación de que un grupo sólido rodea el entierro de Orgaz.
Las figuras están dispuestas como un friso que se desplaza por la mitad inferior del cuadro con las cabezas formando una línea recta horizontal, dando una impresión de estabilidad. Esto difiere del reino celestial, donde las nubes se arquean hacia arriba para crear una sensación de movimiento y flujo.
Estas nubes, y la forma en que El Greco las usa para definir grupos de figuras a diferentes alturas, ayudan a eliminar el reino celestial de la realidad y brindan una sensación de movimiento que contrasta con la escena más estática de abajo.
Aunque los reinos celestial y terrenal están divididos, El Greco los une para crear una pintura unificada.
Los bastones y las antorchas que sostienen los hombres en la tierra se elevan, cruzando el umbral pictórico entre el cielo y la tierra. Las figuras miran hacia el cielo, animándonos a levantar la vista también.
Ciertas figuras también se hacen eco a través del umbral de las dos esferas. María y Juan Bautista se reúnen a los pies de Cristo, inclinándose hacia adentro, no muy diferente de los santos Esteban y Agustín que sostienen el cuerpo del Conde de Orgaz.
El artista «de la contrarreforma»
La mitad y finales del siglo XVI fue la era de la Contrarreforma, con Toledo como un bastión incondicional de la cristiandad católica.
En el Concilio de Trento (1545-1563), se defendió la importancia de los santos como intercesores tras los ataques de los protestantes.
La pintura de El Greco, realizada solo dos décadas después, con su representación de santos tanto en el reino terrenal como en el celestial, reafirma con fuerza el espíritu de la Contrarreforma y captura bellamente la capacidad de El Greco para combinar lo místico y lo espiritual con la vida que lo rodea.