El Greco, de nombre Doménikos Theotokópoulos, (nacido en 1541, Candia [Iráklion], Creta- murió el 7 de abril de 1614, Toledo, España), maestro de la pintura española, cuyo estilo dramático y expresionista altamente individual se encontró con la perplejidad de sus contemporáneos, pero ganó un nuevo aprecio en el siglo XX.
También trabajó como escultor y como arquitecto.
«La Adoración de los Pastores» de Andrea Mantegna en el Museo Metropolitano de Arte, 1450.
El Greco nunca olvidó que era de ascendencia griega y solía firmar sus cuadros en letras griegas con su nombre completo, Doménikos Theotokópoulos.
Sin embargo, se le conoce generalmente como El Greco («el griego»), nombre que adquirió cuando vivía en Italia, donde la costumbre de identificar a un hombre designando el país o la ciudad de origen era una práctica común.
La forma curiosa del artículo (El), sin embargo, puede ser el dialecto veneciano o más probablemente del español.
Debido a que Creta, su tierra natal, era entonces una posesión veneciana y él era un ciudadano veneciano, decidió ir a Venecia a estudiar. El año exacto en el que esto ocurrió no se conoce; pero se especula que la fecha se sitúa entre 1560, cuando tenía 19 años, y 1566.
En Venecia entró en el estudio de Tiziano, que era el mayor pintor de la época. El conocimiento de los años de El Greco en Italia es limitado. Una carta del 16 de noviembre de 1570, escrita por Giulio Clovio, iluminador al servicio del cardenal Alessandro Farnese, solicitaba alojamiento en el Palacio Farnese para «un joven de Candia, alumno de Tiziano».
El 8 de julio de 1572, «el pintor griego» es mencionado en una carta enviada desde Roma por un funcionario de Farnese al mismo cardenal.
Poco después, el 18 de septiembre de 1572, «Dominico Greco» pagó su cuota al gremio de San Lucas en Roma.
Se desconoce cuánto tiempo permaneció el joven artista en Roma, ya que pudo haber regresado a Venecia, alrededor de 1575-76, antes de partir hacia España.
Algunas de las obras pintadas por El Greco en Italia son completamente del estilo renacentista veneciano del siglo XVI. No muestran ningún efecto de su herencia bizantina excepto posiblemente en los rostros de los ancianos, por ejemplo, en el Cristo que cura a los ciegos.
La colocación de las figuras en el espacio profundo y el énfasis en un escenario arquitectónico en el estilo del Alto Renacimiento son particularmente significativos en sus primeros cuadros, como el Cristo que Limpia el Templo.
La primera evidencia de los extraordinarios dones de El Greco como retratista aparece en Italia en un retrato de Giulio Clovio y Vincentio Anastagi.
Años Intermedios
El Greco apareció por primera vez en España en la primavera de 1577, inicialmente en Madrid, más tarde en Toledo. Una de sus principales razones para buscar una nueva carrera en España debe haber sido el conocimiento del gran proyecto de Felipe II, la construcción del monasterio de San Lorenzo en El Escorial, a unos 42 km al noroeste de Madrid.
Además, «el griego» debió conocer a importantes eclesiásticos españoles en Roma a través de Fulvio Orsini, humanista y bibliotecario del Palacio Farnese. Se sabe que al menos un eclesiástico español que pasó algún tiempo en Roma en este período – Luis de Castilla – se convirtió en amigo íntimo de El Greco y finalmente fue nombrado uno de los dos ejecutores de su último testamento.
El hermano de Luis, Diego de Castilla, le dio a El Greco su primer encargo en España, que posiblemente había sido prometido antes de que el artista dejara Italia.
En 1578 nació en Toledo Jorge Manuel, hijo único del pintor, descendiente de Doña Jerónima de Las Cuevas. Parece que sobrevivió a El Greco, y aunque él la reconoció a ella y a su hijo, nunca se casó con ella.
Este hecho ha desconcertado a todos los escritores, ya que la mencionó en varios documentos, incluyendo su último testamento. Puede ser que El Greco se haya casado infelizmente en su juventud en Creta o en Italia y por lo tanto no pueda legalizar otro vínculo.
Durante el resto de su vida, El Greco siguió viviendo en Toledo, ocupado en encargos para las iglesias y monasterios de allí y de la provincia. Se convirtió en un amigo cercano de los principales humanistas, eruditos y eclesiásticos. Antonio de Covarrubias, un estudioso del arte clásico e hijo del arquitecto Alonso de Covarrubias, fue un amigo cuyo retrato pintó.
Fray Hortensio Paravicino, el jefe de la orden trinitaria en España y predicador favorito de Felipe II de España, dedicó cuatro sonetos a El Greco, uno de ellos registrando su propio retrato por el artista.
Luis de Góngora y Argote, una de las principales figuras literarias de finales del siglo XVI, compuso un soneto a la tumba del pintor.
Otro escritor, Don Pedro de Salazar de Mendoza, figuraba en el círculo más íntimo del séquito de El Greco.
Los bienes recopilados tras su muerte confirman el hecho de que era un hombre de extraordinaria cultura, un verdadero humanista del Renacimiento.
Su biblioteca, que da una idea de la amplitud y el alcance de sus intereses, incluía obras de los principales autores griegos en griego, numerosos libros en latín, y otros en italiano y en español: Las vidas de Plutarco, la poesía de Petrarca, el Orlando Furioso de Ludovico Ariosto, la Biblia en griego, las actas del Concilio de Trento y los tratados de arquitectura de Marco Vitruvio Pollio, Giacomo da Vignola, León Battista Alberti, Andrea Palladio y Sebastiano Serlio.
El propio Greco preparó una edición de Vitruvio, acompañada de dibujos, pero el manuscrito se ha perdido.
En 1585 y después El Greco vivió en el gran palacio medieval del Marqués de Villena. Aunque está cerca del lugar donde se encuentra el ahora destruido Palacio de Villena, el museo de Toledo llamado Casa y Museo del Greco nunca fue su residencia.
Se puede asumir que necesitaba espacio para su taller más que para una vida lujosa.
En 1605 el palacio fue catalogado por el historiador Francisco de Pisa como uno de los más bellos de la ciudad; no era una miserable estructura en ruinas, como algunos escritores románticos han presumido.
El Greco seguramente vivió con considerable comodidad, aunque no dejó una gran finca a su muerte.
El primer encargo de El Greco en España fue para el altar mayor y los dos altares laterales de la iglesia conventual de Santo Domingo el Antiguo en Toledo (1577-79).
Nunca antes el artista había tenido un encargo de tal importancia y alcance. Incluso el diseño arquitectónico de los marcos del altar, que recuerda el estilo del arquitecto veneciano Palladio, fue preparado por El Greco.
La pintura para el altar mayor, la Asunción de la Virgen, también marcó un nuevo período en la vida del artista, revelando toda la extensión de su genio.
Las figuras se acercan al primer plano, y en los Apóstoles se logra un nuevo brillo de color.
La técnica sigue siendo veneciana en la colocación de la pintura y en el uso liberal de los reflejos blancos; sin embargo, la intensidad de los colores y la manipulación de los contrastes, rayando en la disonancia, es claramente El Greco. Por primera vez, la importancia de su asimilación del arte de Miguel Ángel se pone de manifiesto, en particular en la pintura de la Trinidad, en la parte superior del altar mayor, donde el poderoso cuerpo escultórico del Cristo desnudo no deja ninguna duda de la fuente última de inspiración.
En el cuadro del altar lateral de la Resurrección, las poses de los soldados de pie y el contrapunto (posición en la que se contrastan las partes superior e inferior del cuerpo en dirección) de los dormidos también son claramente de inspiración miguelangélica.
Al mismo tiempo, El Greco creó otra obra maestra de extraordinaria originalidad, el Espolio (Desvestir a Cristo). Al diseñar la composición en forma vertical y compacta en el primer plano, parece haber sido motivado por el deseo de mostrar la opresión de Cristo por sus crueles atormentadores.
Eligió un método de eliminación del espacio que es común a los pintores italianos de mediados y finales del siglo XVI conocidos como manieristas, y al mismo tiempo probablemente recordó las pinturas bizantinas tardías en las que la superposición de cabezas fila tras fila se emplea para sugerir una multitud.
El altar original de madera dorada que El Greco diseñó para la pintura ha sido destruido, pero su pequeño grupo esculpido del Milagro de San Ildefonso aún sobrevive en el centro inferior del marco.
La tendencia de El Greco a alargar la figura humana se hace más notable en este momento, por ejemplo, en el hermoso y no restaurado San Sebastián.
El mismo alargamiento extremo del cuerpo también está presente en la obra de Miguel Ángel, en la pintura de los venecianos Tintoretto y Paolo Veronese, y en el arte de los principales pintores manieristas.
La creciente esbeltez del largo cuerpo de Cristo contra las dramáticas nubes en la Crucifixión con los Donantes presagia el estilo tardío del artista.
La conexión de El Greco con la corte de Felipe II fue breve e infructuosa, consistiendo primero en la Alegoría de la Liga Santa (Sueño de Felipe II; 1578-79) y segundo en el Martirio de San Mauricio (1580-82).
Este último cuadro no contó con la aprobación del rey, que rápidamente encargó otra obra del mismo tema para sustituirlo. Así terminó la conexión del gran artista con la corte española.
El rey se preocupó por el brillo impactante de los amarillos en contraste con el ultramarino en los trajes del grupo principal del cuadro, que incluye a San Mauricio en el centro.
Por otro lado, para el ojo moderno, el atrevido uso del color de El Greco es particularmente atractivo.
La pincelada sigue siendo veneciana en la forma en que el color sugiere la forma y en la libre creación ilusionista y atmosférica del espacio.
El entierro del Conde de Orgaz (1586-88) es universalmente considerado como la obra maestra de El Greco. La visión sobrenatural de la Gloria («El Cielo») en lo alto y la impresionante gama de retratos representan todos los aspectos del arte de este extraordinario genio.
El Greco distinguía claramente entre el cielo y la tierra: arriba, el cielo es evocado por nubes heladas arremolinadas, de forma semi-abstracta, y los santos son altos y fantasmagóricos; abajo, todo es normal en la escala y las proporciones de las figuras.
Según la leyenda, los santos Agustín y Esteban aparecieron milagrosamente para poner al Conde de Orgaz en su tumba como recompensa por su generosidad con su iglesia.
Con vestimentas doradas y rojas se inclinan reverentemente sobre el cuerpo del conde, que está vestido con una magnífica armadura que refleja el amarillo y el rojo de las otras figuras. El joven de la izquierda es el hijo de El Greco, Jorge Manuel; en un pañuelo de su bolsillo está inscrita la firma del artista y la fecha de 1578, año de nacimiento del niño.
Los hombres vestidos de forma contemporánea en el siglo XVI que asisten al funeral son miembros destacados de la sociedad toledana.
El método manierista de composición de El Greco no se expresa más claramente que aquí, donde toda la acción tiene lugar en el plano frontal.
Datos Bibliográficos «El Greco»
- NACIÓ en 1541en Heraclion, Grecia
- MURIÓ el 7 de abril de 1614 (73 años) Toledo, España
- MOVIMIENTO / ESTILO Renacimiento / Escuela veneciana
Su vida y las obras posteriores
Desde 1590 hasta su muerte, la producción pictórica de El Greco fue prodigiosa. Sus cuadros para las iglesias y conventos de la región toledana incluyen la Sagrada Familia con la Magdalena y la Sagrada Familia con Santa Ana.
Repitió varias veces la Agonía en el Jardín, en la que se evoca un mundo sobrenatural a través de formas extrañas y colores brillantes, fríos y chocantes.
El tema devocional de Cristo llevando la cruz se conoce en 11 originales de El Greco y muchas copias.
El Greco representó a la mayoría de los principales santos, a menudo repitiendo la misma composición: Santo Domingo, María Magdalena, San Jerónimo como cardenal, San Jerónimo en penitencia y San Pedro en lágrimas.
Sin embargo, San Francisco de Asís era, con mucho, el santo más favorecido por el artista; se conservan unos 25 originales que representan a San Francisco y, además, más de 100 piezas de sus seguidores. El más popular de varios tipos fue San Francisco y el hermano León meditando sobre la muerte.
Se conservan dos grandes series (Apostolados) representando a Cristo y los Doce Apóstoles en 13 lienzos: uno en la sacristía de la catedral de Toledo (1605-10) y otro, inacabado (1612-14) en la Casa y Museo de El Greco de Toledo.
La pose frontal del Cristo bendecido en esta serie sugiere una figura medieval bizantina, aunque el color y la pincelada son el manejo personal de la técnica veneciana por parte de El Greco.
En estas obras la intensidad de la devoción refleja el espíritu religioso de la España católica en el período de la Contrarreforma.
Aunque griego por ascendencia e italiano por preparación artística, el artista se sumergió tanto en el ambiente religioso de España que se convirtió en el representante visual más vital del misticismo español.
Sin embargo, debido a la combinación de estas tres culturas, se convirtió en un artista tan individual que no pertenece a ninguna escuela convencional, sino que es un genio solitario de un poder emocional e imaginación sin precedentes.
En los últimos 15 años de su vida, El Greco recibió varios encargos importantes: tres altares para la capilla de San José, Toledo (1597-99); tres pinturas (1596-1600) para el Colegio de Doña María de Aragón, un monasterio agustino de Madrid; y el altar mayor, cuatro altares laterales y el cuadro San Ildefonso para el Hospital de la Caridad de Illescas (1603-05).
Las últimas obras de El Greco se caracterizan por una extrema deformación del cuerpo, como por ejemplo la Adoración de los Pastores, pintada en 1612-14 para su propia capilla funeraria. Los colores brillantes y disonantes y las extrañas formas y poses crean una sensación de asombro y éxtasis, mientras el pastor y los ángeles celebran el milagro del recién nacido.
En la inconclusa Visión de San Juan, la imaginación de El Greco le llevó a despreciar aún más las leyes de la naturaleza.
La gigantesca figura oscilante de San Juan Evangelista, en vestidos abstractos de color azul hielo, revela las almas de los mártires que claman por la liberación. De la misma manera, la figura de la Virgen en la Inmaculada Concepción (1607-14), originalmente en la Iglesia de San Vicente, flota hacia el cielo en un paroxismo de éxtasis apoyado por largos y distorsionados ángeles.
La fantástica vista de Toledo, representada de forma abstracta, deslumbra por su fantasmal brillo a la luz de la luna, y los racimos de rosas y lirios, símbolos de la pureza de la Virgen, son de una belleza absoluta.
En sus tres paisajes supervivientes, El Greco demostró su característica tendencia a dramatizar más que a describir.
La Vista de Toledo (c. 1595) hace de una ciudad tormentosa, siniestra y apasionada con las mismas nubes oscuras y presagiadoras que aparecen en el fondo de su anterior Crucifixión con los Donantes.
Pintando en su estudio, reordenó los edificios representados en el cuadro para adaptarse a su propósito compositivo. Vista y Plano de Toledo (1610-14) es casi como una visión, todos los edificios pintados de blanco brillante.
Una inscripción del artista en el lienzo explica con bastante fantasía que había colocado el Hospital de San Juan Bautista en una nube en primer plano para que se viera mejor y que el mapa del cuadro muestra las calles de la ciudad.
A la izquierda, un dios del río representa el Tajo, que fluye alrededor de Toledo, una ciudad construida sobre alturas rocosas.
Aunque El Greco había vivido en Italia y en la propia Roma, rara vez usó tales motivos romanos clásicos.
El único cuadro de El Greco que tiene un tema mitológico, tan querido por la mayoría de los artistas del Renacimiento, es el Laocoonte (1610-14).
Para la antigua Troya sustituyó una vista de Toledo, similar a la que acabamos de comentar, y mostró poca consideración por la tradición clásica al pintar el altamente expresivo pero grandioso cuerpo del sacerdote.
- Aunque El Greco fue principalmente un pintor de temas religiosos, sus retratos, aunque menos numerosos, son igualmente de alta calidad.
- Dos de sus mejores obras tardías son los retratos de Fray Félix Hortensio Paravicino (1609) y del cardenal Don Fernando Niño de Guevara (c. 1600).
- Ambos están sentados, como era costumbre después de la época de Rafael en retratos que presentaban a importantes eclesiásticos.
- Paravicino, un monje trinitario y un famoso orador y poeta, es representado como un hombre sensible e inteligente.
- La pose es esencialmente frontal, y el hábito blanco y el manto negro proporcionan contrastes pictóricos muy efectivos.
- El Cardenal Niño de Guevara, con túnicas carmesíes, es casi eléctrico en su energía inherente, un hombre acostumbrado a mandar.
- El retrato de Jerónimo de Cevallos (1605-10) de El Greco, por otro lado, es muy simpático. La obra es de media longitud, pintada de forma delgada y limitada al blanco y negro.
El enorme cuello con volantes, entonces en boga, da nombre al rostro amable.
Con medios tan simples, el artista creó una caracterización memorable que lo coloca en el más alto rango como retratista, junto con Tiziano y Rembrandt.
Ningún seguidor de importancia permaneció en Toledo tras la muerte de El Greco en 1614.
Sólo su hijo y algunos pintores desconocidos produjeron copias débiles de la obra del maestro. Su arte era tan personal y tan individual que no pudo sobrevivir a su muerte.
Además, el nuevo estilo barroco de Caravaggio y de los Carracci pronto suplantó los últimos rasgos sobrevivientes del manierismo del siglo XVI.